Land Art

En la entrada dedicada al arte contemporáneo vamos a salirnos totalmente de las directrices tradicionales del arte para centrarlo en un tipo de arte menos convencional, característica que define al arte contemporáneo por otra parte.

Surge esa tendencia como muchas otras a mediados de los años 60. tiene un contacto tan alto con la naturaleza que se podría llamar arte ecológico, este movimiento como todos se terminó convirtiendo en algo cotidiano. Este arte utiliza como marco la naturaleza y todos los elementos extraídos de ella: madera, roca, tierra, agua, vegetales… Ese arte ha ido cambiando y esa huella ha quedado presente y establecida, no es un estilo es una manera de comprender la naturaleza y su entorno. Se incorpora el entorno y no es un estilo artístico sino una nueva forma de entender el arte. Esa vivienda es el lugar donde habita el dialogo con la naturaleza, este dialogo ha sido más tenido en cuenta en los jardines japoneses. El jardín japonés permite que el invitado se sienta acogido y reconfortado en esa casa, la propia arquitectura enmarca el paisaje, el paisaje prestado.

Los artistas no desean imitar la naturaleza sino integrarse en ella. Es un tipo de arte que rechaza el arte conceptual, arte corrompido por las nuevas tecnologías han fragmentado esa relación del hombre con la naturaleza. Se muestra totalmente contrario los estudios, las galerías y los museos del siglo anterior.

Robert Smithson es un artista estadounidense y uno de los precursores de este tipo de arte. Sus construcciones no tienen ninguna función utilitaria, son obras efímeras. Sus obras son gigantescas y lejos de la población.

Spiral Jetty 1970, es un muelle en espiral sobre el lago de Utah. Para su realización se utilizaron 5000 toneladas de basalto negro.

Círculo Roto se realizó en 1971. Se encuentra en Emmen (Holanda) y es una especie de bloque de arena que rodea una roca.

En cuanto al ámbito nacional destaca Cesar Manrique, quien fue el encargado de embellecer la isla de Lanzarote. Su primera gran obra fue la gruta de los Jameos de Agua, lugar de visita obligatorio si se viaja a la isla. Esta magnífica obra está excavada en el interior de un túnel volcánico. En su interior alberga un espectacular lago, que se origina de manera natural, el agua se acumula por estar situada la gruta por debajo del nivel del mar. Esta cueva también contiene un auditorio natural excavado en la roca.

Su propia casa en el Timanfaya, hoy día se ha convertido en museo por la fundación que lleva su nombre. Está construida sobre las rocas volcánicas y los restos de lava petrificada. La casa forma parte de ese entorno, de la naturaleza y por eso la cocina se sirve del calor geotérmico de la tierra y la lava petrificada entra por una ventana.

Raíces en el cielo (1971), la habitación está excavada en las rocas volcánicas y en la parte superior de la bóveda de rocas se sitúa un orificio, como un óculo por donde entra la luz natural. En el centro se sitúa un árbol fosilizado que sube sacando su copa por el óculo superior.

Ana Ágreda

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Land Art

At the entrance dedicated to contemporary art we will get out completely from traditional art guidelines to center on a less conventional type of art, defining characteristic of contemporary art on the other.

This trend emerges like many others in the mid-60s has such a high contact with nature could be called environmental art, this movement ended as all becoming commonplace. This art uses as a framework nature and all extracted from it elements of wood, rock, soil, water, plant ... That art has changed and that footprint has been present and established, it is not a style is a way to understand the nature and its surroundings. the environment is incorporated and is not an artistic style but a new way of understanding art. That house is where inhabits the dialogue with nature, this dialogue has been taken into account in Japanese gardens. The Japanese garden allows the guest feel welcome and comforted in that house, the architecture frames the landscape, the landscape rendered.

Artists do not want to imitate nature but integrated into it. It is a kind of art that rejects conceptual art, art corrupted by new technologies have fragmented the relationship of man with nature. totally contrary studios, galleries and museums of the previous century is shown.

Robert Smithson is an American artist and one of the forerunners of this type of art. Its buildings have no utilitarian function, are ephemeral works. His works are gigantic and far from the population.

Spiral Jetty 1970, is a coiled spring on Lake Utah. For its realization 5000 tons of black basalt were used.

Broken Circle was held in 1971. It is located in Emmen (Netherlands) and is a kind of block sand surrounding a rock.

As for the national stands Cesar Manrique, who was commissioned to embellish the island of Lanzarote. His first major work was the grotto of Jameos Water, rather than mandatory visit if traveling to the island. This magnificent work is carved inside a volcanic tunnel. It houses a spectacular lake, which originates naturally, water accumulates the grotto being situated below sea level. This cave also contains a natural auditorium carved into the rock.

His own home in Timanfaya, today has turned into a museum by the foundation that bears his name. It is built on the volcanic rocks and the remains of petrified lava. The house is part of that environment, nature and so the cuisine is served geothermal heat from the earth and petrified lava coming through a window.

Roots in the Sky (1971), the room is carved into volcanic rocks and the top of the dome of rocks a hole, as an oculus through which natural light enters is located. In the center a fossilized tree climbing pulling his bowl into the upper oculus is located.

Ana Ágreda

El Infante Don Luis de Borbón

Don Luis de Borbón era el último de los siete hermanos de Felipe V. Desde pequeño fue embaucado en la carrera eclesiástica llegando a ser proclamado arzobispo de Toledo, aunque pronto la abandonaría. Esta relación con la Iglesia se llevó a cabo con el fin de que un miembro de la familia real formase parte de la Iglesia. No obstante fue casado por un matrimonio morganático con María Teresa Vallabriga y Rozas, hija de un mayordomo de palacio, con la intención de que no pudiera ser rey puesto que su mujer no pertenecía a la aristocracia. Dedicó su vida a la proliferación de las artes interesándose por la caza y el cultivo de las artes, las letras y las ciencias. Desde el momento en que conoció a Goya se interesó por su pintura, aunque dentro de sus artistas preferidos encontramos también otros como Luis Paret, Boccherini y Charles Josep Flipart.

Del Infante destaca una de sus viviendas en Boadilla del Monte. Un palacete de estilo neoclásico que mandó diseñar a Ventura Rodríguez. En él atesoraba obras de arte, daba conciertos y acogía a creadores de todas las disciplina

No obstante, Carlos III temeroso de una posible aspiración por parte del infante al trono le hizo renunciar a sus honores y distinciones, y le exilió de la corte madrileña haciéndole trasladarse a Arenas de San Pedro. En la residencia que allí tuvo fue a visitarle Goya y fue allí donde realizó el retrato de la familia del infante en la que él mismo se retrata debido al afecto y cercanía que mantenía con ellos.

Otro de los cuadros que realizó Goya es el del cartón para tapiz conocido como “La Boda” en el que representa un matrimonio de conveniencia, quizá inspirado en el del propio infante.

A la hija del Infante, la futura Duquesa de Chinchón y esposa de Godoy, también Goya le realizó un retrato. A su muerte pidió expresamente que su cuerpo fuera depositado en el palacio de su padre en Boadilla.

Entre los años 2012 y 2013 se realizó un magnífica exposición llamada “Goya y el infante don Luis: el exilio y el reino” comisariada por un profesor de nuestra propia facultad Francisco Calvo Serraller, en la que se desarrolló todo el programa de mecenazgo que el Infante Don Luis llevó a cabo.

http://www.heraldo.es/noticias/cultura/2012/10/26/el_infante_don_luis_gran_mecenas_visto_traves_mirada_goya_209513_308.html

http://www.amigospalacio.org/cms/

Ana Ágreda

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Infant Luis Borbón

Mister Luis de Borbón was the last of the seven brothers of Philip V. From childhood he was duped into ecclesiastical career proclaimed becoming archbishop of Toledo, but soon leave her. This relationship with the Church was carried out in order that a member of the royal family was part of the Church. However he was married by a morganatic marriage with Maria Teresa Vallabriga and Rozas, daughter of a mayor of the palace, intending that he might not be king because his wife did not belong to the aristocracy. He dedicated his life to the proliferation of the arts being interested in hunting and cultivation of the arts, letters and sciences. From the moment he met Goya was interested in his painting, although within their favorite artists also find others like Luis Paret, Boccherini and Charles Josep Flipart.

Infante highlights one of their homes in Boadilla del Monte. A neoclassical mansion that sent Ventura Rodriguez design. In his treasured artworks, he gave concerts and was home to artists of all disciplines.

However, Carlos III fearful of a possible aspiration from the infant to the throne made him give up his honors and awards, and exiled from the Madrid court making move to Arenas de San Pedro. In the residence there Goya had visited him and was where the family portrait infant in which he portrays himself because of the affection and closeness he had with them did.

Another Goya paintings is made of cardboard tapestry known as "The Wedding" which represents a marriage of convenience, perhaps inspired by the infant itself.

A daughter of the infant, the future Duchess of Chinchon and wife of Godoy, Goya also underwent a portrait.

A daughter of the Infante, the future Duchess of Chinchon and wife of Godoy, Goya also underwent a portrait. At his death expressly he requested that his body was deposited in the palace of his father in Boadilla.

Between 2012 and 2013, a grand exhibition called "Goya and the Infante Don Luis: Exile and the Kingdom" was conducted curated by a professor of our own faculty Francisco Calvo Serraller, in which the entire sponsorship program was developed that Infante Don Luis took place.

Ana Ágreda

FLUXUS Y YOKO ONO. “El arte como vida y la vida como arte”

Su papel en el entorno de Fluxus comienza a principios de los años 60, en la configuración y desarrollo de un grupo cuyas actividades comienzan en el ámbito de la música pero con horizontes multidisciplinares. Los Chambers Concerts - también denominados Chambers Music Series - que son considerados hoy como el catalizador inicial más importante en la aglutinación de Fluxus, fueron organizados por Yoko Ono en su ático-apartamento en Chambers street, Nueva York, junto con La Monte Young.. Se desarrollaron en doce fines de semana a lo largo del periodo que va de 1959 a 1961. Estos eventos se convirtieron en un magnífico foro de intercambios entre los artistas más vanguardistas del momento.

¿Qué define lo que es el grupo Fluxus?: El Fluxus nace del contexto de la acción, y la esencia de su naturaleza es performativa. En su forma más elemental, un performan­ce Fluxus puede reducirse a una sencilla acción ejecutada por una sola persona, del mismo modo que puede implicar una presentación colaborativa, exigiendo la coordinación simultánea de muchas personas en acción. El objetivo es acen­túa la interacción. Muchos performances de Fluxus se arti­culan en torno a la manipulación y uso de objetos de la experiencia auditiva y visual.

Su fin era hacer un arte sin ataduras, sin reglas y sin convencionalismos. Este arte no creía en la autoridad de los museos y no les consideraba cualificados para decidir qué es arte y qué no. Estos artistas creían que el arte se debe hacer siempre, y por esto la utilización de métodos tan activos como las performance o la necesidad de interacción con el público exigiendo a ejecutores y espectadores que reflexionen con res­pecto a cómo el cuerpo se relaciona con las cosas. Creían en un arte vivo. Daban más importancia al contenido que a la forma. A veces es difícil de definir qué es un fluxus, ya que al ponerle nombre ya estás limitando la obra.  Ono ha sido uno de los ejemplos clave que ha seguido siendo fiel a estos principios desde sus comienzos.

Su obra más conocidas es la acción de Cut Piece que ella misma nos explica de este modo: “Mi obra más conocida es la acción Cut Piece, o pieza para cortar,  realizada por vez primera en Kyoto, Japón, y en el Carnegie Hall de Nueva York un año después. En la obra, yo me sentaba en el escenario, vestida, e invitaba a los espectadores a acercarse y a cortarme la ropa con unas tijeras” (Yoko-Ono). La artista asocia a este trabajo un lema muy importante para ella: “No quieres ser una víctima aunque intentan convertirte en víctima”.

Así, Fluxus involucra al espectador para, de este modo, influir en el resultado final de la obra. “El arte como vida y la vida como arte” es como se podría describir este movimiento interactivo.

Un ejemplo de este arte interactivo fue su “Exposición en el MoMA en 1971”. Para ello soltó una serie de moscas en el jardín de este museo que previamente había coleccionado y perfumado en una botella. La tarea del espectador era encontrar estas moscas por toda la ciudad, obligándoles a abrir los sentidos y agudizar la atención. La idea de esta actuación era demostrar que el arte es una herramienta que agudiza los sentidos y eleva tu vitalidad: el arte como vida.

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Her role in the environment Fluxus began in the early 60s, in the configuration and development of a group whose activities start in the field of music but with multidisciplinary horizons. The Chambers Concerts - also called Chambers Music Series - which are considered today as the most important in the agglutination of Fluxus initial catalyst, were organized by Yoko Ono in her penthouse apartment in Chambers Street, New York, along with La Monte Young .. they were developed in twelve weekends throughout the period from 1959 to 1961. These events became a great forum for exchanges between avant-garde artists.

What defines what the Fluxus group ?: The Fluxus born the context of the action, and the essence of his nature is performative. In its simplest form a Fluxus performance can be reduced to a simple action performed by one person, just as they may involve a collaborative presentation, requiring the simultaneous coordination of many people in action. The aim is accentuated interaction. Many of Fluxus performances revolve around the handling and use of objects of auditory and visual experience.

Its purpose was to make an art untethered, without rules and conventions. This art did not believe in the authority of museums and were not considered qualified to decide what is art and what is not. These artists believed that art should always be done, and so the use of such active methods such as performance or need for interaction with the public demanding performers and spectators to reflect on how the body relates to things. They believed in a living art. They gave more importance to content than form. Sometimes it is difficult to define what is a Fluxus, because by naming you're already limiting the work. Ono has been one of the key examples that has remained faithful to these principles since its inception

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Her best known work is the action of Cut Piece (Fig 4) itself explains it this way: "My best-known work is the action Cut Piece, or piece to cut, performed for the first time in Kyoto, Japan, and Carnegie Hall in New York a year later. In the play, I sat on the stage, dressed, and invited viewers to come and cut my clothes with scissors "(Yoko Ono-). The artist associated with this work very important to her motto: "I do not want to be a victim even try to become a victim."

Thus, Fluxus engages the viewer to thus influence the final result of the work. "Art as life and life as art" is how one could describe this interactive movement.

An example of this was his interactive art "exhibition at MoMA in 1971". For this he released a number of flies in the garden of this museum which had previously collected and perfumed in a bottle. The task of the viewer was to find these flies all over the city, forcing them to open the senses and sharpen attention. The idea of ​​this action was to demonstrate that art is a tool that sharpens the senses and raises your vitality: art as life.

Ana Gago Cortina.

BIBLIOGRAGÍA:

   http://www.theartstory.org/movement-fluxus.htm

GROSENICK, Uta (Ed.): Mujeres artistas de los siglos XX y XXI. Taschen, Colonia, 2002

EL DENOMINADO KUNSTHALLE O ANTIMUSEO.

Empieza a desarrollarse de forma muy temprana, tiene lugar en torno a la década de los 80, se ha concebido como un espacio cultural y expositivo  planteado para dar  a conocer el arte más actual. Está vinculado a las teorías de nueva museología y museología crítica que planteaban una conexión con el público. También está vinculada al término alemán Kunstale que significa galería de arte. Dentro de los espacios para el arte contemporáneo, merece un apartado especial el denominado kunsthalle o antimuseo. Se trata de un modelo alternativo de espacio expositivo que se aleja totalmente del concepto tradicional de museo institucional. En su mayoría, son espacios para exposiciones temporales, y no contenedores de colecciones de arte. Por ese motivo casi siempre se denominan centros de arte en lugar de museos.

Este término comenzó a surgir en ciudades alemanas en relación con la ampliación de las mismas y los barrios periféricos ya que requieren espacios dedicados a la cultura que no tenían por que estar en el centro. Estaban diseñadas para dar cabida a jóvenes artistas y crear un espacio en el que el barrio pudiera verse reflejado y pudiera llevar a cabo actividades que le pusieran en contacto con los movimientos artísticos de su tiempo. No tardó en expandirse por Europa. Normalmente reutilizan espacios antiguamente de carácter industrial

Dada la naturaleza de las piezas expuestas , la museografía de estos centros van a ser dinámicas, espacios flexibles, no tiende a los convencionalismos de grandes museos y se sirve de la tecnología.  (El matadero o La Casa Encendida). Los primeros ejemplos de antimuseo surgen en Estados Unidos y Europa en los años setenta, asociados a tendencias artísticas como el Minimal, Conceptual, arte povera, performances, instalaciones... En un principio se trata de naves industriales, almacenes, escuelas, lofts, donde el artista posee total libertad de instalación, y donde se pretende que la intervención arquitectónica o museográfica pase desapercibida, respetando al máximo el carácter original del espacio y su estética industrial. Sin embargo, con el tiempo, el concepto original va desvirtuándose a medida que este tipo de actuaciones se institucionalizan y los espacios son reformados por arquitectos.

Generalmente se basan en la recuperación de edificios industriales, pero en estos casos, por iniciativa de grupos de artistas, coleccionistas, aunque en ocasiones también de las administraciones públicas. Son artistas o grupos que se apartan del museo tradicional por razones diversas, tanto por la naturaleza de sus obras como por razones ideológicas. Por ello, los lugares que se buscan están apartados de los circuitos oficiales de difusión artística o del centro histórico de las ciudades. Suelen ubicarse en los barrios y en las periferias, e incluso en lugares perdidos en el paisaje. En estas experiencias prima la idea de acontecimiento puntual, efímero. Así, el cambio, el dinamismo, es lo que les caracteriza, no sólo por el tipo de obras de arte que se van sucediendo, sino también por la adaptación del espacio en relación con cada montaje o exposición. Por ello, la arquitectura juega un papel determinante.

Alicia Serrano


THE KUNSTHALLE OR ANTIMUSEUM
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Begins to develop very early, takes place around the 80s, it has been conceived as a cultural and exhibition space raised to publicize the current art. It is linked to the theories of new museology and critical museology posed a connection with the audience. It is also linked to the German word meaning Kunstale art gallery. Within the spaces for contemporary art, it deserves a special section called kunsthalle or the anti-museum. It is an alternative model of exhibition space completely away from the traditional concept of institutional museum. Mostly are spaces for temporary exhibitions, and non-container art collections. For this reason almost always they referred art centers rather than museums. 

This term began to emerge in German cities in relation to the extension of the same and suburbs as they require dedicated to the culture they did not have to be in the center spaces. They were designed to accommodate young artists and create a space in the neighborhood could be reflected and could carry out activities that put you in touch with the artistic movements of his time. He soon expand into Europe. Normally re-used spaces formerly industrial character

Given the nature of the exhibits, the curating of these centers will be dynamic, flexible spaces, it does not tend to the conventions of great museums and uses the technology. (The slaughterhouse or La Casa Encendida). The first examples of Antimuseo arise in the United States and Europe in the seventies, associated with artistic tendencies such as Minimal, Conceptual, Arte Povera, performances, installations ... At first it is industrial buildings, warehouses, schools, lofts, where the artist has complete freedom of installation, and where it is intended that the architectural intervention or museum pass unnoticed, maximum respect for the original character of the space and its industrial aesthetic. However, over time, the original concept goes desvirtuándose as such actions are institutionalized and spaces are reformed by architects.

Generally based on the recovery of industrial buildings, but in these cases, at the initiative of groups of artists, collectors, but sometimes also of public administrations. Are artists or groups that deviate from the traditional museum for various reasons, both by the nature of their work as ideological reasons. Therefore, they look for places that are away from the official circuits of diffusion artistic or historic city centers. Usually they located in neighborhoods and peripheries, and even in places lost in the landscape. In these experiences the idea bonus point, ephemeral event. Thus the change, dynamism, is what characterizes them, not only by the type of works of art that are happening, but also for the adaptation of space for each assembly or exposure. Therefore, architecture plays a decisive role.

Alicia Serrano

Fechas claves para conocer la historia del museo del Louvre

En esta entrada de una manera esquemática vamos a citar las fechas claves que nos harán conocer las etapas que ha sufrido el museo del Louvre, desde su ámbito palacio en origen a la conversión del Museo de Arte más visitado en todo el mundo.

Siglo XII: En este siglo se edifica el Castillo del Louvre, que va a ser la residencia regia durante varios siglos.

Parte de la muralla del Castillo del Louvre || Versailles castle wall

1563: Catalina de Medici reina consorte de Francia decide ampliar el viejo Castillo del Louvre creando el Palacio de las Tullerías que quedaría adosado a este en 1595.

1623: Fecha de inicio del Palacio de Versailles. A partir de este momento y progresivamente la monarquía francesa va a trasladar allí la corte con lo que el Palacio del Louvre va a ir quedando desocupado.

1667 - 1670: se produjo la restauración de la fachada, orden de Luis XIV. Esta remodelación marca la estética de la fachada del edificio encuadrado en un estilo barroco.

Durante el siglo XVIII, al quedar deshabitado el palacio se decidió instalar allí la Academia Francesa y convertirlo en el lugar oficial de las exposiciones anuales de la Real Academia de Pintura y Escultura. La academia era un lugar al que acudían jóvenes pintores para formarse en el mundo de la pintura. Era la sede de la cultura en este siglo.

En 1793, cuatro años después de la revolución francesa y la abolición definitiva de la monarquía en Francia, el Palacio del Louvre abrió por primera vez sus puertas al público. Todos los bienes privados se nacionalizaron y todo el mundo tenía acceso a la exposición. Esto supuso la creación de museo como institución que hoy conocemos: un lugar público, accesible para todo tipo de personas sin exclusión social ni cultural y donde los bienes son del Estado. Las obras que albergaba eran el resultado del mecenazgo y colección de los reyes que con su abolición desapropiaron y pasaron a ser del Estado. Supuso esto el traspaso de colecciones privadas (monarquía, aristocracia e iglesia) a públicas y convirtiéndose en accesibles para todo el mundo. A partir de entonces el Louvre se enriquecerá de las campañas arqueológicas que se llevaran a cabo en oriente en los siglos XIX y XX, así como la compra de grades obras de arte.

Sala del Museo en sus inicios || Museum hall in the beginning

La última ampliación arquitectónica llegó en 1981, con la creación de la pirámide de cristal. Con esta última construcción el museo del Louvre alberga obras de todos los periodos de la historia del arte (incluyendo el contemporáneo).

Ana Ágreda

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Key dates for the history of the Louvre museum

In this post, we will quote the key dates that will make us know the stages that has suffered the Louvre, from its scope palace originally conversion Art Museum most visited worldwide.

XII century: In this century Castle of the Louvre, which will be the royal residence for several centuries is built.

1563: Catherine de Medici Queen Consort of France decided to extend the old Castle of the Louvre creating the Tuileries Palace that would be attached to this in 1595.

1623: Start of the Palace of Versailles. From this moment the French monarchy and gradually will move the court there with the Louvre Palace will go being vacated.

1667 - 1670: there was the restoration of the facade, order of Louis XIV. This remodeling marks the aesthetics of the building facade framed in a baroque style.

During the eighteenth century, to be inhabited the palace was decided to install the French Academy and become the official place of annual exhibitions of the Royal Academy of Painting and Sculpture. The academy was a place where young painters came to train in the world of painting. It was the seat of culture in this century.

In 1793, four years after the French Revolution and the abolition of the monarchy in France, the Palais du Louvre first opened its doors to the public. All private property was nationalized and everyone had access to the exhibition. This involved the creation of the museum as an institution we know today: one, accessible to all people without social and cultural exclusion and where goods are State public place. The works housed were the result of patronage and collection of the kings that its abolition desapropiaron and became the State. He assumed that the transfer of private collections (monarchy, aristocracy and church) to public and making it accessible to everyone. Since then the Louvre enrich the archaeological campaigns that will be held in the East in the nineteenth and twentieth centuries, as well as buying artworks grades.

The latest architectural expansion came in 1981, with the creation of the glass pyramid. With this latter construction the Louvre museum houses works from all periods of the history of art (including contemporary).

Ana Ágreda

Renacimiento y Humanismo

El coleccionismo en el Renacimiento viene de la mano del humanismo que se fue creando a finales de la Edad Media y que se desarrolló una vez entrado el siglo XV. Solamente las personas más ilustres de la época eran los que tenían acceso a esta nueva forma de pensamiento y por lo tanto podían nutrirse de las enseñanzas. De esta forma se convertían en conocedores de las artes, amantes de la música y literatura, y mecenas de arte. En las cortes italianas, como veremos en esta entrada fue donde se desarrolló la idea del Studiolo, un lugar privado en el que sus dueños llevaban a cabo actividades de la vida intelectual y coleccionaban objetos de interés artístico o particular.

En la corte de Urbino encontramos el Studiolo de Federico de Montefeltro. Se llevó a cabo entre los años 1473 y 1476 en el palacio Ducal de Urbino. Esta era una sala a la que el condotiero acudía para retirarse y evadirse de su vida militar y diplomática.

El programa decorativo de la sala está influenciada por la corriente humanista. En la parte inferior, las paredes se recubrieron de admirables marqueterías de madera pintadas. En las paredes hay representados objetos que hacen alusión a las artes liberales como geometría, aritmética, astronomía y música entre otras enseñanzas. En el registro superior, se dispusieron 28 retratos de hombres ilustres: poetas y filósofos, políticos y hombres de Estado, simbolizando la unión entre la vida contemplativa y la vida activa. También se combina el estilo flamenco con la pureza geométrica característica de Italia.

El Studiolo se encuentra en el Palazzo Vecchio y fue mandada construir por Francisco I de Medici (1541 – 1587), duque de Toscana. Y se llevó a cabo entre los años 1570 y 1575 y el diseño se le encargó a Giorgio Vasari.

Esta sala se convirtió en un despacho, laboratorio y gabinete de curiosidades al que Francisco asistía cuando quería estar en soledad. Una de las actividades que llevaba a cabo era la alquimia y la colección de objetos raros que él poseía. Existían armarios especiales en los que guardaba pequeñas piezas de su colección como joyas, piedras, talladas, cristales y vasos. Cada panel de la pared con forma ovalada es la puerta de estos armarios. Los cuatro elementos representados representan el tipo de objetos que a Francisco I le gustaba coleccionar en su estudio. La decoración se encuentra dispuesta a la manera manierista de finales del siglo XVI. Toda la estancia está totalmente decorada con treintaicuatro pinturas de tema religioso y mitológico, estucos y esculturas de la escuela de Vasari. Todos ellos representan los cuatro elementos: agua, fuego, tierra y aire. Para la realización de las pinturas participaron 31 artistas de la época. Incluso antes de la muerte de Francisco I, su estudio, estaba siendo desmantelado y no volvería a su estado original hasta el siglo XX.

Ana Ágreda

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Renaissance and Humanism

Collecting in the Renaissance comes from the hand of humanism that was created in the late Middle Ages and developed once entered the fifteenth century. Only the most illustrious of the time people were those who had access to this new way of thinking and therefore could draw on the teachings. Thus they became connoisseurs of the arts, music lovers and literature, and art patrons. In the Italian courts, as discussed in this post was where the idea of ​​the Studiolo, a private place where their owners were carrying out activities of intellectual life and they collected objects of artistic or interest developed.

In the court of Urbino found the Studiolo of Federico de Montefeltro. It was conducted between 1473 and 1476 in the Ducal Palace in Urbino. This was a room to which the condotiero came to retire and escape from his military and diplomatic life.

The decorative program of the room is influenced by the humanist. At the bottom, the walls were covered with admirable painted wood inlays. On the walls are depicted objects that allude to the liberal arts as geometry, arithmetic, astronomy and music among other teachings. In the upper register, 28 portraits of famous men set: poets and philosophers, politicians and statesmen, symbolizing the union between the contemplative life and active life. flamenco style with the characteristic geometric purity of Italy is also combined.

The Studiolo is located in the Palazzo Vecchio and was built by Francesco I de 'Medici (1541-1587), Duke of Tuscany. And it was carried out between 1570 and 1575 and the design was commissioned to Giorgio Vasari.

This room became an office, laboratory and cabinet of curiosities that Francisco was attending when he wanted to be alone. One of the activities carried out was alchemy and collection of rare objects he possessed. There were special cabinets in which he kept his collection of small pieces such as jewelry, stones, carved, crystals and glasses. Each wall panel is oval-shaped door these cabinets. The four elements represented represent the type of objects that Francisco I liked to collect in his studio. The decor is disposed to the Mannerist way of the late sixteenth century. The entire stay is entirely decorated with thirty-four paintings with religious and mythological theme, stucco and sculptures of the school of Vasari. They represent the four elements: water, fire, earth and air. For the realization of the paintings they included 31 artists of the time. Even before the death of Francis I, his studio was being dismantled and would not return to its original state until the twentieth century.

Ana Ágreda

ORIGEN DE LA COLECCIÓN DEL MUSEO DEL PRADO

El edificio fue concebido en su origen para albergar el Real Gabinete de Historia Natural, fue obra del arquitecto Juan de Villanueva. El proyecto fue aprobado por Carlos III en 1786. La colección sobrepasa las 8600 obras, la cual se formó a partir de la Colección Real, el Museo de la Trinidad y es resto a partir del fondo Nuevas Adquisiciones.

Voy a centrarme en las obras procedentes de la Colección Real, los monarcas españoles fueron coleccionistas de arte durante siglos, repartiendo sus adquisiciones por las residencias de la península, como el Alcázar de Madrid, el Palacio de El Pardo, la Torre de la Parada, el Buen Retiro, la Granja de san Ildefonso, el  Palacio de la Zarzuela o El Escorial.

La colección de pinturas comenzó con Felipe II, aunque los Reyes Católicos y monarcas anteriores ya habían encargado pinturas, estas colecciones solían desaparecer cuando fallecían. Hay tres períodos claves en los que se desarrolló el interés porel coleccionismo de los monarcas.

Con los Habsburgo, Felipe II comenzó a valorar la Colección Real como un tesoro, y la adscribió a la Corona como patrimonio. Reunió numerosas pinturas compradas por su padre, Carlos I, y por su tía, María de Hungría, además añadió obras de El Bosco. Felipe IV otorgó a la colección una categoría superior entre las colecciones europeas, para ello incorporó 2000 nuevas pinturas, además tuvo a su servicio a Velázquez. Carlos II consiguió, pese a reinar en uno de los períodos más críticos de la historia de España, que Luca Giordano se pusiera al servicio de la Corona. Preservó la unidad de la colección prohibiendo su venta o desmembración.

Durante el reinado de los Borbones destacó la labor de Felipe V, durante la cual se produjo el incendio del Alcázar de Madrid, perdiéndose más de 500 obras. En su lugar se construyó el Palacio de Oriente, para el cuál el rey y su esposa, Isabel de Farnesio, adquirieron una cantidad considerable de obras, de artistas tan notables como Poussin y Murillo. Se adquirió en 1724 la colección de escultura clásica de Cristina de Suecia, además a la muerte de su padre el rey recibió en herencia la colección de artes decorativas llamada el Tesoro del Delfín. Otro rey importante para la colección fue Carlos III, el cual compró piezas de Rembrandt y mandó construir el edificio que hoy ocupa el Museo. Su hijo, Carlos IV fue mecenas de Goya y adquirió obras de José de Madrazo, Juan Antonio Ribera y José Aparicio, formando una colección de pintura neoclásica.

Tras la invasión napoleónica el patrimonio histórico-artístico sufrió un duro golpe, puesto que José Bonaparte regaló pinturas a sus generales y Fernando VII regaló al duque de Wellington numerosas obras, entre ellas algunas de Velázquez. Más tarde Fernando VII, impulsado por su esposa, Isabel de Braganza, culminó un proyecto esbozado por su padre, fundar un museo a imagen del Louvre de París. Así, inauguró el Museo del Prado en 1819 como dependencia de la Corona, así permaneció hasta el reinado de Isabel II en 1868.

Alicia Serrano

ORIGIN OF THE COLLECTION OF THE MUSEO DEL PRADO

The building was conceived in his origin to shelter the Royal Office of Natural History, was a work of the architect Juan de Villanueva. The project was approved by Carlos III in 1786. The collection exceeds 8600 works, which was formed from the Royal Collection, the Museum of the Trinidad and is a rest from the bottom New Acquisitions.

I am going to centre on the works proceeding from the Royal Collection, the Spanish monarches were collectors of art for centuries, distributing his acquisitions for the residences of the peninsula, as the Fortress of Madrid, the Palace of The Dun one, the Tower of the Stop, the Good Retirement, the Farm of san Ildefonso, the Palace of the Operetta or El Escorial.

The collection of paintings began with Philip II, though the Kings Católicos and previous monarches already had entrusted paintings, these collections were in the habit of disappearing when they were expiring. It is three key periods in which the interest developed porel collecting of the monarches.

With the Hapsburg, Philip II began to value the Royal Collection as an exchequer, and assigned her to the Crown as heritage. It assembled numerous paintings bought by his father, Carlos I, and for his aunt, Maria of Hungary, in addition it added works of The Bosco. Philip IV granted to the collection a top category between the European collections, for it it incorporated 2000 new paintings, in addition it had to his service Velázquez. Carlos II obtained, in spite of reigned in one of the periods more critics of the history of Spain, on which Luca Giordano was putting to the service of the Crown. It preserved the unit of the collection prohibiting his sale or dismemberment.

During the reign of the Borbones stood out the labor of Philip V, during which there took place the fire of the Fortress of Madrid, getting lost more than 500 works. In his place the Palace of East was constructed, for which the king and his wife, Isabel de Farnesio, acquired a considerable quantity of works, of artists as notable as Poussin and Murillo. There was acquired in 1724 the collection of Cristina's classic sculpture of Sweden, in addition to the death of his father the king it received in inheritance the collection of decorative arts called the Exchequer of the Dolphin. Another important king for the collection was Carlos III, who bought Rembrandt's pieces and gave the orders to construct the building that today occupies the Museum. His son, Carlos IV was patron of Goya and acquired works of Jose de Madrazo, Juan Antonio Ribera and Jose Aparicio, forming a collection of neoclassic painting.

After the Napoleonic invasion the historical - artistic heritage suffered a hard blow, since Jose Bonaparte gave paintings to his personal details and Fernando VII gave numerous works to the duke of Wellington, between them some of Velázquez. Later Fernando VII stimulated by his wife, Isabel de Braganza, reached a project outlined by his father, to found a museum to image of the Louvre of Paris. This way, it inaugurated the Prado Museum in 1819 as dependence of the Crown, this way it remained up to the reign of Isabel II in 1868.

Alicia Serrano

BIBLIOGRAFÍA

https://www.museodelprado.es/

EL MUSEO PUBLICO DEL SIGLO XVIII

En un momento determinado, las colecciones cambiaron de signo y se convertirán en públicas. Hay que contextualizarlo con la Ilustración, donde surge un museo como lugar destinado a la exaltación de la historia nacional de un país.

Este proceso está directamente relacionado con la noción del museo concebido para la ciencia, con amplio carácter divulgativo. Los museos empiezan a conformarse en esta línea, en 1638 surge el primer museo organizado como institución pública, fue un antecedente, el Gabinete de Elias Asmoleham, tiene un contenido muy ecléctico, estaba vinculado a la Universidad de Oxford.

Un museo que también nace como colección privada pero que es fruto de la influencia de los grandes museos es la colección de Sir John Soane's Museum (1792-1824). Fue un arquitecto británico de estilo neoclásico. Viajó a Italia, concretamente a Roma y a Sicilia durante los años 1778-1780, lo que ejerció gran influencia en su obra . En 1788 fue nombrado arquitecto conservador del Banco de Inglaterra. En 1833 dejó el ejercicio activo de la arquitectura y se dedicó a su actividad como coleccionista de arte , en especial de la Antigüedad.

Deja visitar su colección y permite que las personas interesadas asistan. Era su propia casa. Planteó la colección para que los alumnos pudieran dibujar. La mayor parte del mobiliario es oriental. Una de las estancias más visitadas era la pinacoteca donde instaló su colección y diseñó un armario con varias puertas para poder colgar los cuadros. Se conserva la obra de Hogar, importante pintor de la pintura británica.

En el s. XVIII aparece el museo como institución, como producto europeo y a lo largo del s. XIX se exportará a otros ámbitos geográficos. Llega a Norte América, tendrá un especial desarrollo en las últimas décadas del s. XIX y primeras del XX. Hay que tener en cuenta que el contenido es diferente al ámbito europeo. No tienen colecciones de tradición histórica. Por eso necesitan comprar para iniciar eso museos. Destacan hombres de finanzas , políticos.. que generarán los museos de Norte América. Desde el principio son museos con gran implicación de representación social. El primero de ellos: La Universidad de Yale, American Museum of Natural History, NY (1869), Metropolitan, Boston Museum of Fine Arts, Art Institute of Chicago...

Estos museos se van a presentar de una madera diferente a la europea. El capital privado es fundamental pero con vocación pública. Destaca Solomon Guggenheim, museo proyectado por Whrigth. Pegy Guggenheim, su sobrino, realiza una colección en un palacio de Venecia.

El museo Thyssen, nace como colección privada pero actualmente es nacional.

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At one point, the collections changed sign and become public. We must contextualize the Enlightenment, where a museum as a place destined to the exaltation of the national history of a country arises.

This process is directly related to the notion of the museum designed for science, with ample divulging character. Museums begin to settle in this line, in 1638 the first museum organized as a public institution arises, was an antecedent, the Cabinet of Elias Asmoleham, has a very eclectic content, was linked to the University of Oxford.

A museum is also born as a private collection but is the result of the influence of the great museums is the collection of Sir John Soane's Museum (1792-1824). It was a British architect of neoclassical style. He traveled to Italy, namely Rome and Sicily during the years 1778-1780, which exerted great influence on his work. In 1788 he was appointed curator architect of the Bank of England. In 1833 he left active architectural practice and devoted himself to his work as art collector, especially of antiquity.

Leave visit his collection and allows interested persons to attend. It was his own house. He raised the collection so that students could draw. Most of the furniture is oriental. One of the most visited rooms was the art gallery where he installed his collection and designed a wardrobe with several doors to hang the pictures. Home work, important painter of British painting is conserved.

In the S. XVIII appears the museum as an institution, as a European product and along the s. XIX will be exported to other geographical areas. Reaches North America, it will have a special development in the last decades of s. Nineteenth and early twentieth centuries. Keep in mind that the content is different from Europe. They have collections of historical tradition. So that they need to buy to start museums. Men include financial, political .. that will generate museums in North America. From the beginning are museums with great involvement of social representation. The first: Yale University, American Museum of Natural History, NY (1869), Metropolitan, Boston Museum of Fine Arts, Art Institute of Chicago ...

These museums will be presented in a different European wood. Private capital is essential but with public vocation. Stresses Solomon Guggenheim Museum designed by Whrigth. Pegy Guggenheim, his nephew, made a collection in a palace in Venice.

The Thyssen museum, born as a private collection but is currently national


Ana Gago Cortina.

BIBLIOGRAFIA: 

-Fernández, L.A. (1999) Museología y museografía. Barcelona: Ediciones del serbal

DON DIEGO MEXÍA DE GUZMÁN COMO COLECCIONISTA

El primer marqués de Leganés y vizconde de Butarque nació en 1580 y murió en 1655, fue militar y un importante político del s. XVII, pero principalmente es conocido por ser uno de los mayores coleccionistas de arte de su tiempo.

Su colección llegó a tener más de 1300 obras, recogidas la mayoría entre 1630 y 1642, las cuales eran fundamentalmente de artistas contemporáneos que se encontraban en el auge de su carrera, especialmente artistas flamencos como Rubens o van Dyck, el cual retrató al marqués en una ocasión.

Esta colección albergaba escenas de caza y fábulas, como las realizadas por Paul de Vos o Frans Zinder, además de las mejores escenas de batalla de Peter Snayers, retratos de Gaspar de Crayer, naturalezas muertas de Daniel Seghers, paisajes de Brueghel el Viejo…

También se interesó por los flamencos más antiguos como El Bosco y van der Weyden. Aparte de pintura flamenca prestó especial atención a la pintura italiana, adquirida durante su época como gobernador de Milán, contando con obras de artistas tan notables como Rafael, Veronés y Tiziano. Obras de artistas manieristas y barrocos como Battista Crespi, Rosso Fiorentino o Gaudenzio Ferrari.

Obviamente se interesó profundamente también por la pintura española, pues era su nación. Llegó a poseer obras de Velázquez, José de Ribera, Juan van der Hamen y Pedro de Orrente, además de pintores contemporáneos como Francisco Collantes y Juan Fernández, que se mezclaban con autores del s. XVI como Juan Fernández Navarrete y El Greco.

Su colección permaneció indivisa durante los siglos XVII y XVIII, cambiando de propietarios debido a la muerte del marqués, pasando a manos de los condes de Altamira, los cuales la poseyeron hasta el s. XIX. En 1833 parte de la colección fue subastada públicamente, aunque muchas de esas obras ahora pueden contemplarse en el Museo del Prado, gracias a los regalos que el marqués hizo a Felipe IV.

Alicia Serrano

DON DIEGO MEXÍA  DE GUZMÁN LIKE COLLECTOR

The first Marquess of Leganés and vizconde of Butarque it was born in 1580 and died in 1655, was military and an important politician of s. The XVIIth, but principally it is known for being one of the major collectors of art of his time.

His collection managed to have more than 1300 works, gathered the majority between 1630 and 1642, which were fundamentally of contemporary artists who were in the summit of his career, specially Flemish artists as Rubens or they go Dyck, which portrayed the Marquess in an occasion.

This collection was sheltering scenes of hunt and fables, as the realized ones for Paul de Vos or Frans Zinder, besides the best scenes of Peter Snayers's battle, Gaspar de Crayer's portraits, Daniel Seghers's dead natures, landscapes of Brueghel Old …

Also it was interested for the most ancient Flemings as The Bosco and Weyden goes der. Apart from Flemish painting it paid particular attention to the Italian painting acquired during his epoch as governor of Milan, possessing works of artists as notable as Rafael, Veronés and Tiziano. Artists' works manieristas and baroque as Battista Crespi, Rosso Fiorentino or Gaudenzio Ferrari.

Obviously it was interested deeply also for the Spanish painting, since it was his nation. Juan van der Hamen and Pedro de Orrente managed to possess works of Velázquez, Jose of Bank, besides contemporary painters as Francisco Collantes and Juan Fernandez, who was mixed by authors of s. The XVIth like Juan Fernandez Navarrete and The Greek one.

His collection remained undivided during the XVIIth and XVIIIth century, changing owners due to the death of the Marquess, going on to hands of the counts of Altamira, which possessed it even s. The XIXth. In 1833 it departs from the collection it was auctioned publicly, though many of these works now can be contemplated in the Prado Museum, thanks to the gifts that the Marquess did to Philip IV.

Alicia Serrano

BIBLIOGRAFÍA

ELLIOT, J, El conde duque de Olivares

ARROYO MARTÍN, F, El marqués de Leganés, Apuntes biográficos, Revista Espacio, Tiempo y Forma, 2002