Land Art

En la entrada dedicada al arte contemporáneo vamos a salirnos totalmente de las directrices tradicionales del arte para centrarlo en un tipo de arte menos convencional, característica que define al arte contemporáneo por otra parte.

Surge esa tendencia como muchas otras a mediados de los años 60. tiene un contacto tan alto con la naturaleza que se podría llamar arte ecológico, este movimiento como todos se terminó convirtiendo en algo cotidiano. Este arte utiliza como marco la naturaleza y todos los elementos extraídos de ella: madera, roca, tierra, agua, vegetales… Ese arte ha ido cambiando y esa huella ha quedado presente y establecida, no es un estilo es una manera de comprender la naturaleza y su entorno. Se incorpora el entorno y no es un estilo artístico sino una nueva forma de entender el arte. Esa vivienda es el lugar donde habita el dialogo con la naturaleza, este dialogo ha sido más tenido en cuenta en los jardines japoneses. El jardín japonés permite que el invitado se sienta acogido y reconfortado en esa casa, la propia arquitectura enmarca el paisaje, el paisaje prestado.

Los artistas no desean imitar la naturaleza sino integrarse en ella. Es un tipo de arte que rechaza el arte conceptual, arte corrompido por las nuevas tecnologías han fragmentado esa relación del hombre con la naturaleza. Se muestra totalmente contrario los estudios, las galerías y los museos del siglo anterior.

Robert Smithson es un artista estadounidense y uno de los precursores de este tipo de arte. Sus construcciones no tienen ninguna función utilitaria, son obras efímeras. Sus obras son gigantescas y lejos de la población.

Spiral Jetty 1970, es un muelle en espiral sobre el lago de Utah. Para su realización se utilizaron 5000 toneladas de basalto negro.

Círculo Roto se realizó en 1971. Se encuentra en Emmen (Holanda) y es una especie de bloque de arena que rodea una roca.

En cuanto al ámbito nacional destaca Cesar Manrique, quien fue el encargado de embellecer la isla de Lanzarote. Su primera gran obra fue la gruta de los Jameos de Agua, lugar de visita obligatorio si se viaja a la isla. Esta magnífica obra está excavada en el interior de un túnel volcánico. En su interior alberga un espectacular lago, que se origina de manera natural, el agua se acumula por estar situada la gruta por debajo del nivel del mar. Esta cueva también contiene un auditorio natural excavado en la roca.

Su propia casa en el Timanfaya, hoy día se ha convertido en museo por la fundación que lleva su nombre. Está construida sobre las rocas volcánicas y los restos de lava petrificada. La casa forma parte de ese entorno, de la naturaleza y por eso la cocina se sirve del calor geotérmico de la tierra y la lava petrificada entra por una ventana.

Raíces en el cielo (1971), la habitación está excavada en las rocas volcánicas y en la parte superior de la bóveda de rocas se sitúa un orificio, como un óculo por donde entra la luz natural. En el centro se sitúa un árbol fosilizado que sube sacando su copa por el óculo superior.

Ana Ágreda

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Land Art

At the entrance dedicated to contemporary art we will get out completely from traditional art guidelines to center on a less conventional type of art, defining characteristic of contemporary art on the other.

This trend emerges like many others in the mid-60s has such a high contact with nature could be called environmental art, this movement ended as all becoming commonplace. This art uses as a framework nature and all extracted from it elements of wood, rock, soil, water, plant ... That art has changed and that footprint has been present and established, it is not a style is a way to understand the nature and its surroundings. the environment is incorporated and is not an artistic style but a new way of understanding art. That house is where inhabits the dialogue with nature, this dialogue has been taken into account in Japanese gardens. The Japanese garden allows the guest feel welcome and comforted in that house, the architecture frames the landscape, the landscape rendered.

Artists do not want to imitate nature but integrated into it. It is a kind of art that rejects conceptual art, art corrupted by new technologies have fragmented the relationship of man with nature. totally contrary studios, galleries and museums of the previous century is shown.

Robert Smithson is an American artist and one of the forerunners of this type of art. Its buildings have no utilitarian function, are ephemeral works. His works are gigantic and far from the population.

Spiral Jetty 1970, is a coiled spring on Lake Utah. For its realization 5000 tons of black basalt were used.

Broken Circle was held in 1971. It is located in Emmen (Netherlands) and is a kind of block sand surrounding a rock.

As for the national stands Cesar Manrique, who was commissioned to embellish the island of Lanzarote. His first major work was the grotto of Jameos Water, rather than mandatory visit if traveling to the island. This magnificent work is carved inside a volcanic tunnel. It houses a spectacular lake, which originates naturally, water accumulates the grotto being situated below sea level. This cave also contains a natural auditorium carved into the rock.

His own home in Timanfaya, today has turned into a museum by the foundation that bears his name. It is built on the volcanic rocks and the remains of petrified lava. The house is part of that environment, nature and so the cuisine is served geothermal heat from the earth and petrified lava coming through a window.

Roots in the Sky (1971), the room is carved into volcanic rocks and the top of the dome of rocks a hole, as an oculus through which natural light enters is located. In the center a fossilized tree climbing pulling his bowl into the upper oculus is located.

Ana Ágreda

El Infante Don Luis de Borbón

Don Luis de Borbón era el último de los siete hermanos de Felipe V. Desde pequeño fue embaucado en la carrera eclesiástica llegando a ser proclamado arzobispo de Toledo, aunque pronto la abandonaría. Esta relación con la Iglesia se llevó a cabo con el fin de que un miembro de la familia real formase parte de la Iglesia. No obstante fue casado por un matrimonio morganático con María Teresa Vallabriga y Rozas, hija de un mayordomo de palacio, con la intención de que no pudiera ser rey puesto que su mujer no pertenecía a la aristocracia. Dedicó su vida a la proliferación de las artes interesándose por la caza y el cultivo de las artes, las letras y las ciencias. Desde el momento en que conoció a Goya se interesó por su pintura, aunque dentro de sus artistas preferidos encontramos también otros como Luis Paret, Boccherini y Charles Josep Flipart.

Del Infante destaca una de sus viviendas en Boadilla del Monte. Un palacete de estilo neoclásico que mandó diseñar a Ventura Rodríguez. En él atesoraba obras de arte, daba conciertos y acogía a creadores de todas las disciplina

No obstante, Carlos III temeroso de una posible aspiración por parte del infante al trono le hizo renunciar a sus honores y distinciones, y le exilió de la corte madrileña haciéndole trasladarse a Arenas de San Pedro. En la residencia que allí tuvo fue a visitarle Goya y fue allí donde realizó el retrato de la familia del infante en la que él mismo se retrata debido al afecto y cercanía que mantenía con ellos.

Otro de los cuadros que realizó Goya es el del cartón para tapiz conocido como “La Boda” en el que representa un matrimonio de conveniencia, quizá inspirado en el del propio infante.

A la hija del Infante, la futura Duquesa de Chinchón y esposa de Godoy, también Goya le realizó un retrato. A su muerte pidió expresamente que su cuerpo fuera depositado en el palacio de su padre en Boadilla.

Entre los años 2012 y 2013 se realizó un magnífica exposición llamada “Goya y el infante don Luis: el exilio y el reino” comisariada por un profesor de nuestra propia facultad Francisco Calvo Serraller, en la que se desarrolló todo el programa de mecenazgo que el Infante Don Luis llevó a cabo.

http://www.heraldo.es/noticias/cultura/2012/10/26/el_infante_don_luis_gran_mecenas_visto_traves_mirada_goya_209513_308.html

http://www.amigospalacio.org/cms/

Ana Ágreda

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Infant Luis Borbón

Mister Luis de Borbón was the last of the seven brothers of Philip V. From childhood he was duped into ecclesiastical career proclaimed becoming archbishop of Toledo, but soon leave her. This relationship with the Church was carried out in order that a member of the royal family was part of the Church. However he was married by a morganatic marriage with Maria Teresa Vallabriga and Rozas, daughter of a mayor of the palace, intending that he might not be king because his wife did not belong to the aristocracy. He dedicated his life to the proliferation of the arts being interested in hunting and cultivation of the arts, letters and sciences. From the moment he met Goya was interested in his painting, although within their favorite artists also find others like Luis Paret, Boccherini and Charles Josep Flipart.

Infante highlights one of their homes in Boadilla del Monte. A neoclassical mansion that sent Ventura Rodriguez design. In his treasured artworks, he gave concerts and was home to artists of all disciplines.

However, Carlos III fearful of a possible aspiration from the infant to the throne made him give up his honors and awards, and exiled from the Madrid court making move to Arenas de San Pedro. In the residence there Goya had visited him and was where the family portrait infant in which he portrays himself because of the affection and closeness he had with them did.

Another Goya paintings is made of cardboard tapestry known as "The Wedding" which represents a marriage of convenience, perhaps inspired by the infant itself.

A daughter of the infant, the future Duchess of Chinchon and wife of Godoy, Goya also underwent a portrait.

A daughter of the Infante, the future Duchess of Chinchon and wife of Godoy, Goya also underwent a portrait. At his death expressly he requested that his body was deposited in the palace of his father in Boadilla.

Between 2012 and 2013, a grand exhibition called "Goya and the Infante Don Luis: Exile and the Kingdom" was conducted curated by a professor of our own faculty Francisco Calvo Serraller, in which the entire sponsorship program was developed that Infante Don Luis took place.

Ana Ágreda

FLUXUS Y YOKO ONO. “El arte como vida y la vida como arte”

Su papel en el entorno de Fluxus comienza a principios de los años 60, en la configuración y desarrollo de un grupo cuyas actividades comienzan en el ámbito de la música pero con horizontes multidisciplinares. Los Chambers Concerts - también denominados Chambers Music Series - que son considerados hoy como el catalizador inicial más importante en la aglutinación de Fluxus, fueron organizados por Yoko Ono en su ático-apartamento en Chambers street, Nueva York, junto con La Monte Young.. Se desarrollaron en doce fines de semana a lo largo del periodo que va de 1959 a 1961. Estos eventos se convirtieron en un magnífico foro de intercambios entre los artistas más vanguardistas del momento.

¿Qué define lo que es el grupo Fluxus?: El Fluxus nace del contexto de la acción, y la esencia de su naturaleza es performativa. En su forma más elemental, un performan­ce Fluxus puede reducirse a una sencilla acción ejecutada por una sola persona, del mismo modo que puede implicar una presentación colaborativa, exigiendo la coordinación simultánea de muchas personas en acción. El objetivo es acen­túa la interacción. Muchos performances de Fluxus se arti­culan en torno a la manipulación y uso de objetos de la experiencia auditiva y visual.

Su fin era hacer un arte sin ataduras, sin reglas y sin convencionalismos. Este arte no creía en la autoridad de los museos y no les consideraba cualificados para decidir qué es arte y qué no. Estos artistas creían que el arte se debe hacer siempre, y por esto la utilización de métodos tan activos como las performance o la necesidad de interacción con el público exigiendo a ejecutores y espectadores que reflexionen con res­pecto a cómo el cuerpo se relaciona con las cosas. Creían en un arte vivo. Daban más importancia al contenido que a la forma. A veces es difícil de definir qué es un fluxus, ya que al ponerle nombre ya estás limitando la obra.  Ono ha sido uno de los ejemplos clave que ha seguido siendo fiel a estos principios desde sus comienzos.

Su obra más conocidas es la acción de Cut Piece que ella misma nos explica de este modo: “Mi obra más conocida es la acción Cut Piece, o pieza para cortar,  realizada por vez primera en Kyoto, Japón, y en el Carnegie Hall de Nueva York un año después. En la obra, yo me sentaba en el escenario, vestida, e invitaba a los espectadores a acercarse y a cortarme la ropa con unas tijeras” (Yoko-Ono). La artista asocia a este trabajo un lema muy importante para ella: “No quieres ser una víctima aunque intentan convertirte en víctima”.

Así, Fluxus involucra al espectador para, de este modo, influir en el resultado final de la obra. “El arte como vida y la vida como arte” es como se podría describir este movimiento interactivo.

Un ejemplo de este arte interactivo fue su “Exposición en el MoMA en 1971”. Para ello soltó una serie de moscas en el jardín de este museo que previamente había coleccionado y perfumado en una botella. La tarea del espectador era encontrar estas moscas por toda la ciudad, obligándoles a abrir los sentidos y agudizar la atención. La idea de esta actuación era demostrar que el arte es una herramienta que agudiza los sentidos y eleva tu vitalidad: el arte como vida.

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Her role in the environment Fluxus began in the early 60s, in the configuration and development of a group whose activities start in the field of music but with multidisciplinary horizons. The Chambers Concerts - also called Chambers Music Series - which are considered today as the most important in the agglutination of Fluxus initial catalyst, were organized by Yoko Ono in her penthouse apartment in Chambers Street, New York, along with La Monte Young .. they were developed in twelve weekends throughout the period from 1959 to 1961. These events became a great forum for exchanges between avant-garde artists.

What defines what the Fluxus group ?: The Fluxus born the context of the action, and the essence of his nature is performative. In its simplest form a Fluxus performance can be reduced to a simple action performed by one person, just as they may involve a collaborative presentation, requiring the simultaneous coordination of many people in action. The aim is accentuated interaction. Many of Fluxus performances revolve around the handling and use of objects of auditory and visual experience.

Its purpose was to make an art untethered, without rules and conventions. This art did not believe in the authority of museums and were not considered qualified to decide what is art and what is not. These artists believed that art should always be done, and so the use of such active methods such as performance or need for interaction with the public demanding performers and spectators to reflect on how the body relates to things. They believed in a living art. They gave more importance to content than form. Sometimes it is difficult to define what is a Fluxus, because by naming you're already limiting the work. Ono has been one of the key examples that has remained faithful to these principles since its inception

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Her best known work is the action of Cut Piece (Fig 4) itself explains it this way: "My best-known work is the action Cut Piece, or piece to cut, performed for the first time in Kyoto, Japan, and Carnegie Hall in New York a year later. In the play, I sat on the stage, dressed, and invited viewers to come and cut my clothes with scissors "(Yoko Ono-). The artist associated with this work very important to her motto: "I do not want to be a victim even try to become a victim."

Thus, Fluxus engages the viewer to thus influence the final result of the work. "Art as life and life as art" is how one could describe this interactive movement.

An example of this was his interactive art "exhibition at MoMA in 1971". For this he released a number of flies in the garden of this museum which had previously collected and perfumed in a bottle. The task of the viewer was to find these flies all over the city, forcing them to open the senses and sharpen attention. The idea of ​​this action was to demonstrate that art is a tool that sharpens the senses and raises your vitality: art as life.

Ana Gago Cortina.

BIBLIOGRAGÍA:

   http://www.theartstory.org/movement-fluxus.htm

GROSENICK, Uta (Ed.): Mujeres artistas de los siglos XX y XXI. Taschen, Colonia, 2002